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Lea Michele lanza su canción para Cory Monteith

miércoles, 12 de febrero de 2014

Lea Michele y Cory Monteith
Lea publicó la canción este martes, en uno de los lanzamientos más esperados por los fans de la serie Glee. "Era nuestra (canción). Cuando pienso en él, canto esto", aseguró Michelle en una reciente entrevista con Elle.

La letra describe la relación con Monteith, y formará parte de "Louder", el nuevo álbum de la artista que será develado el 4 de marzo. Sin embargo, Lea publicó en Twitter un anticipo de su trabajo y ya se puede escuchar y bajar en varios sitios. Esta es parte de la letra:

Y te conté todos mis sueños y mis miedos
Y me miraste y tus ojos se llenaron de lágrimas
Y dijiste las tres palabras que estaba esperando
Y te volviste parte de mí.

Otra de las canciones de "Louder" será "Cannonball", una de las que según Michelle le ayudaron a lidiar con la muerte de su novio, mientras que en "If you said so (Si tú lo dices)", revelará las últimas palabras que le escuchó decir a Cory.

"Se trata de una canción muy intensa y muy personal para mí", declaró la cantante a la cadena MTV.

Irónicamente, "You're mine" casi no forma parte del álbum: Michele recordó que su trabajo estaba terminado cuando el sello discográfico le preguntó si no querría agregar nada más. Entonces decidió que debía incluir la canción: "Me dije que podría arrepentirme de no hacerlo", concluyó.
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Nuevo programa en AyT Radio: "Classics" desde Mar del Plata al Mundo

miércoles, 15 de mayo de 2013




"La radio genera un vínculo muy asimétrico: Quien nos escucha todos los días nos pone dentro de su familia, de su casa, de su mundo. Desarrolla sentimientos, emociones, cariño, afecto, dependencia. Nosotros no sabemos quien es." (Lalo Mir)

En AyT Radio se viene un nuevo segmento, desde Mar del Plata al Mundo "Classics" el programa de Gustavo Balboa que se emite en KLA 91.7 con los mejores recuerdos de las canciones que hicieron historia. 

A partir del Martes 21 de mayo a las 20:30 hs de Argentina en http://aytradio.blogspot.com/

Para seguir el programa en facebook haz click aqui
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2 de abril de 1939 nacía Marvin Gaye

martes, 2 de abril de 2013

aytradio.blogspot.com


Marvin Pentz Gaye, Jr. nació en Washington DC, donde su padre era un predicador, ministro de la Casa de Dios (House of God), una congregación conservadora cristiana con elementos del pentecostalismo y judaísmo ortodoxo que exigía el cumplimiento de unos códigos de conducta estrictos y no celebraba ninguna festividad. Marvin comenzó a cantar en el coro de la iglesia, un lugar en sobre el que años más tarde diría «aprendí la alegría de la música»; sin embargo, en casa, debía soportar el fundamentalismo moral y los ataques de ira de su padre. Durante aquellos años, aprendió a tocar el piano y la batería, viéndose obligado a abandonar el atletismo por la intransigencia de su padre.
Sin más salida que la música, a los 15 años formó su primer grupo, DC Tones. Tras un breve paréntesis en las fuerzas aéreas, de donde fue expulsado por indisciplina, ingresó en el grupo de doo wop The Rainbows, y posteriormente en The Marquees, grabando un sencillo apadrinado por Bo Diddley que no tuvo éxito. Poco después, se unió a The Moonglows, grupo liderado por Harvey Fuqua y, por aquél entonces, uno de los mejores grupos de doo wop. Mama Loocie (1959, Chess Records) fue el primer sencillo publicado con The Moonglows.
Tras varios trabajos y giras, Harvey Fuqua disolvió el grupo y se trasladó a Detroit en busca de mayores oportunidades, llevándose a Gaye. Allí, fundó un sello discográfico y contrajo matrimonio con Gwen Berry, que regentaba otro pequeño sello; ambos se fusionaron poco más tarde en el sello Tri Phi Records e incorporaron a su catálogo a Marvin Gaye, que se había casado con Anna Berry, hermana mayor de Gwen, en 1961. Posteriormente, Berry Gordy, hermano de Anna y Gwen y propietario del sello Tammi, luego Tamla Motown, absorbió la compañía Tri Phi.
En Motown, donde realizaría una brillante carrera, Gaye comenzó acompañando a la batería, entre otros grupos, a Smokey Robinson & the Miracles, y haciendo acompañamientos vocales y tocando el piano en grabaciones de otros artistas. En agosto de 1961, debutó como solista con The Soulful Moods Of Marvin Gaye sin demasiado éxito. Desviándose del camino de las baladas convencionales compuso con William Stevenson y George Gordy, "That Stubborn Kinda' Fellow" (1963), del que se publicó el sencillo que da título al álbum, "Hitch Hike" y "Pride and Joy", sus primeros éxitos en Motown, a los que seguiría el álbum "How Sweet It Is" (To Be Loved By You) (1964) y los sencillos "I'll Be Doggone" y "Ain't That Peculiar" (1965). En 1964 inició sus duetos con Mary Wells, la estrella femenina de la Motown, con quien grabó, ese mismo año, Together, y un par de canciones que tuvieron alguna popularidad. Posteriormente grabó con Kim Weston, "Take Two" (1967), pero sus mejores duetos fueron sin duda con Tammi Terrell, con la que consiguió recrear a los ojos del público el romance perfecto hasta el punto de que circularon insistentes rumores acerca de las relaciones entre ambos que fueron, eso sí, grandes amigos. Con ella obtuvo grandes éxitos como "Ain't No Mountain High Enough" y "Your Precious Love" en 1967 y "Ain't Nothing Like the Real Thing" y "You're All I Need to Get By" en 1968. La fantasía terminó bruscamente después de que el verano de 1967, Tammi Terrel se desmayara en el escenario en los brazos de Gaye por un tumor cerebral no diagnosticado que acabaría con su vida tres años más tarde; «siento que, de alguna manera, he muerto con ella» diría Gaye tiempo después.

explotó en solitario las listas con "I Heard It Through the Grapevine" (1968) colocándose en el número uno de las listas de R&B y pop y logrando vender más de 4 millones de copias del sencillo; el mayor éxito de ventas de Motown en la década de los 60. Sin embargo, a partir de este momento Gaye comienza a distanciarse en el ámbito artístico de los productores de la Motown y siguiendo la tendencia que se manifiesta en la música popular de aquellos años de incorporar a las letras temáticas sociales y políticas, graba en 1971 el que a la postre será considerado su mejor álbum, "What's Going On", con elementos del jazz y la música clásica y en el que aborda la protección del medio ambiente, la corrupción política, el abuso de las drogas y la guerra de Vietnam inspirado por su hermano Frankie Gaye que acababa de regresar del frente.
Calificado por algunos como el mejor álbum soul de la historia, "What's Going On" tiene sin embargo que superar la inicial oposición de Gordy que lo juzga excesivamente político y escasamente comercial; sin embargo, Gaye se niega a realizar otra grabación hasta que se grabe el sencillo, a lo que Gordy accede finalmente en enero de 1971. Una vez publicado alcanza rápidamente los puestos primero y segundo en las listas de soul y pop y ante el éxito, Gordy reconoce la victoria de Gaye y cede a sus pretensiones. El LP (long play) se graba en tan sólo 10 días en marzo y sale a la luz el 21 de mayo, consiguiendo el mismo éxito que el sencillo. La ironía es que, tras treinta años vendiéndose, el álbum que Motown no quería en un principio acaso sea la mejor expresión de aquél que soñara Gordy: «música que alcance los corazones, las almas, y las billeteras de todas las personas».

Tras diversos reveses profesionales y un nuevo fracaso matrimonial, Gaye se traslada a Hawái y finalmente, por problemas de impuestos, recala en Europa en 1981, donde sacará a la luz "In Our Lifetime", un complicado e intimista disco que pondrá fin a su relación con Motown. Tras firmar con Columbia Records en 1982 compuso "Midnight Love" al tiempo que intentaba sobreponerse de su adicción a la cocaína. Una de sus canciones, "Sexual Healing", es una de las más famosas de Gaye. "Sexual Healing" fue escrito en el pueblo Moere (Flandes Occidental, Bélgica). Allí se puede ver su espléndida casa. A pesar del resurgir de su carrera y su reencuentro con la fama, se hundió aún más en las drogas de las que intentó aislarse buscando refugio en casa de sus padres. Sin embargo, durante el tiempo que pasó allí en varias ocasiones intentó suicidarse después de mantener agrias discusiones con su padre. Finalmente, el 1 de abril de 1984, la víspera de su 45 cumpleaños, en el transcurso de una de esas discusiones su padre lo mató de dos disparos (hecho que sería calificado como «homicidio justificable o defensa propia», ya que en el tribunal su padre alegó defensa propia porque Marvin lo había agredido a golpes, hecho que se repetía bastante debido a sus diferencias y al abuso de drogas por parte de Marvin) con un arma que el propio Marvin le había dado cuatro meses antes. Después de la tragedia, su madre se divorció de su padre y éste terminó sus días en un asilo de ancianos, falleció en 1998 de un ataque al corazón.
En 1987, Gaye ocupó su lugar en el Salón de la Fama del Rock and Roll. No fue éste, sin embargo, el único homenaje a su figura; en vida, en 1983, el grupo británico Spandau Ballet grabó el sencillo "True" dedicado a Gaye y al «sonido Motown», un año después de su muerte The Commodores recogía el fallecimiento de Gaye en "Night Shift" y en 1999 el mundo del R&B rendía honores al «Príncipe de Motown» en el álbum "Marvin Is 60". Asimismo en 1991 Rod Stewart y Tina Turner grabaron juntos una memorable versiòn de It takes two que fue incluida en los discos Vagabont Heart de Rod Stewart y Simply the best de Tina Turner.


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11 de marzo cumpleaños del cantautor Alberto Cortez

lunes, 11 de marzo de 2013


Alberto Cortez

Es conocido por muchos como "El Gran Cantautor de las Cosas Simples". Algunas de sus obras más conocidas son: "En un Rincón del Alma", "Callejero", "Mi árbol y yo", "A partir de mañana", "Te llegará una rosa", "Castillos en el aire", "Cuando un Amigo se va", "El Abuelo", canción que obtuvo un éxito fenomenal y que es interpretada por la gran cantante venezolana Mirla Castellanos. Muchas de sus canciones son basadas en hechos y personajes reales o simplemente en sentimientos y adversidades a lo largo de su vida.
Fue gran amigo del fallecido cantautor Facundo Cabral, con quien se presentaba en ciertas ocasiones, cantando obras como "No soy de aquí" y "Cuando un amigo se va". Al presentarse ambos, trataban de entrelazar un poco de humor al show. Con veinte años se fue en barco a Génova, y de allí en tren a Amberes, donde grabó su primer disco.
Durante su extensa carrera artística , Cortez ha realizado actuaciones y colaboraciones con destacados artistas tales como: Facundo Cabral , con quien grabó 4 discos y realizó exitosas giras por Latinoamérica ; junto a Estela Raval grabó un disco titulado "En un Rincón del Alma" lo que se tradujo en un gran éxito ; con María Dolores Pradera grabó a dúo la canción "En un rincón del alma" para el disco "En buena Compañía" de dicha artista. El tema "Distancia" fue grabado con Mercedes Sosa, en el disco "Cómplices" lo que derivó en una gira integrada por ambos en el año 1991.Recientemente grabó con Ricardo Arjona su gran tema "Mi árbol y yo".
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11 de marzo de 1921 nacía Astor Piazzolla

Astor Piazzolla


Fue uno de los músicos de tango más importantes del siglo XX. Estudió armonía y música clásica y contemporánea con la compositora y directora de orquesta francesa Nadia Boulanger (1887-1979). En su juventud tocó y realizó arreglos orquestales para el bandoneonista, compositor y director Aníbal Troilo. Cuando comenzó a hacer innovaciones en el tango en lo que respecta a ritmo, timbre y armonía, fue muy criticado por los tangueros de la «Guardia Vieja», ortodoxos en cuanto a ritmo, melodía y orquestación. En los años posteriores sería reivindicado por intelectuales y músicos de rock.
Cuando en los años cincuenta y sesenta los tangueros ortodoxos —que lo consideraban «el asesino del tango»— decretaron que sus composiciones no eran tango, Piazzolla respondió con una nueva definición: «Es música contemporánea de Buenos Aires». Sus obras no eran difundidas por las estaciones radiodifusoras y los comentaristas seguían atacando su arte. Los sellos discográficos no se atrevían a editarla. Lo consideraron un snob irrespetuoso que componía música híbrida, con exabruptos de armonía disonante.
Nacido en Mar del Plata, Argentina en 1921, hijo de padres inmigrantes italianos de la ciudad de Trani (en la región de Puglia). Su padre le puso su nombre por un amigo, Astor Bolognini, corredor de moto y primer violonchelista de la Orquesta Sinfónica de Chicago. Piazzolla vivió gran parte de su niñez con su familia en Nueva York, donde desde muy joven entró en contacto tanto con el jazz como con la música barroca de Bach.
Mientras vivió allí, aprendió a hablar fluidamente cuatro idiomas: castellano, inglés, francés e italiano. Comenzó a tocar el bandoneón en 1927 cuando su padre, nostálgico de su Italia natal, le compró uno en una casa de empeños por 18 dólares. En 1933 tomó clases con Bela Wilda, un pianista húngaro discípulo de Serguéi Rachmáninov.

El 4 de agosto de 1990 en París, sufrió una trombosis cerebral, de la que finalmente fallecería dos años después en Buenos Aires el 4 de julio de 1992, a los 71 años.

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"The Dark Side of the Moon", de Pink Floyd, cumple 40 años

domingo, 3 de marzo de 2013


"The Dark Side of the Moon", una de las obras maestras del rock y uno de los álbumes que mayor influencia ha ejercido en la en las generaciones posteriores a su salida, cumple hoy 40 años de lanzamiento. 
Un 1 de marzo de 1973, el vinilo encerrado en la histórica portada de un prisma refractando luz fue lanzado por primera vez en Estados Unidos. El diseño  estuvo a cargo del colectivo de diseño gráfico inglés Hipgnosis y representa tres elementos: la iluminación en los conciertos de la banda, las letras del álbum y el deseo del tecladista de la banda, Richard Wright, de crear una portada sencilla y pulcra.
Sólo bastan 43 minutos para desconectarse del mundo, sentarse (o echarse) y dejar que los sonidos se cuelen por los oídos: desde el latido que rompe en el grito de la cantante en "Speak to Me" y que cae en un suave acorde proveniente de un piano armonizado por la Fender Stratocaster de Gilmour en "Breathe". Irónicamente, el disco cierra con un tema tan luminoso como "Eclipse".
 Foto: EMI
www.aytradio.com.ar

El material fue grabado en dos sesiones, en 1972 y 1973, en los estudios Abbey Road de Londres, con algunas de las técnicas de grabación más avanzadas de la época, como multipistas, loops, sintetizadores analógicos, entre otros.
"The Dark Side of the Moon" se mantuvo 741 semanas en el Top 200 de Billboard, pues permaneció de 1973 a 1988entre los discos más vendidos en Estados Unidos.
El álbum le valió al músico Alan Parsons el Grammy por su ingeniería de sonido y los aspectos sónicos más innovadores del álbum, incluyendo la interpretación no léxica de Clare Torry en "The Great Gig in the Sky".

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famosos que nacieron el 8 de febrero: Lana Turner

viernes, 8 de febrero de 2013

Lana Turner. aytradio.blogspot.com



Su verdadero nombre era Julia Jean Mildred Frances Turner, nació el 8 de febrero de 1921 en Wallace, Idaho pero pronto se trasladó con su familia a las costas de California.
Lana no era buena estudiante y muy pronto fue descubierta para el mundo del espectáculo gracias a su exuberante belleza. Su primera aparición en la pantalla grande consistió en un breve papel en la película Ha nacido una estrella (1937) de William A. Wellman. Ese mismo año consiguió mejores papeles en dos clásicos imprescindibles como The Great Garrick de James Whale y They won´t forget de Mervyn LeRoy. Otras películas como Andy Hardy se enamora (1938) o la encantadora comedia fantástica La pareja invisible (Topper, 1937) de Norman Z. MacLeod, junto a Cary Grant y Constance Bennett, hicieron que Lana Turner fuera más conocida debido a su imponente físico. Pero cuando verdaderamente saltó al estrellato fue en la década de los 40.
Turner escondía tras su gran apariencia una personalidad emocionalmente inestable, de esto darían testimonio sus muchas parejas que tuvo en vida.
Su primer matrimonio de los siete que contrajo, fue en 1940 con el músico Artie Shaw, al que conoció en el rodaje de Dancing Co-Ed (1939). Siete meses después de la boda se separaron. En 1942 se casó de nuevo con el actor Steve Crane del que se divorciaría un año después para reincidir en matrimonio con el mismo Crane, el mismo año de la separación.
Durante estos años alcanzó la fama en títulos importantes como El extraño caso del Dr. Jekyll (1940) de Victor Fleming. Trabajó junto a destacados actores como Spencer Tracy (en la anterior), Lionel Barrymore en Calling dr. Kildare, James Stewart en un esplendoroso musical (Las chicas de Ziegfield de 1940 dirigido por Robert Z. Leonard), Clark Gable en Quiero a este hombre (1941), con Robert Taylor y Van Heflin en Senda prohibida, con John Garfield en su película más memorable, El cartero siempre llama dos veces (1946), y con Gene Kelly en Los tres mosqueteros (1948).
Su vida sentimental era muy inestable. Tras su nuevo divorcio de Crane en 1944 se casó con el millonario Bob Topping.
Su actuación en El cartero siempre llama dos veces la lanzó al superestrellato, confirmando su popularidad en Cautivos del mal (1952) de Vincente Minnelli, Vidas borrascosas (1957) de Robson o Imitación a la vida (1959) de Douglas Sirk. Fue por su papel en Vidas borrascosas cuando obtuvo su única nominación a los Oscar.
A sus constantes devaneos amorosos se le añadieron problemas con el alcoholismo. En 1953 se casó con el actor Lex Barker (Tarzán) del que se divorció en 1957.
En 1958 llegó la tragedia con el asesinato de su amante Johnny Stompanato por parte de su hija Cheryl Crane, presuntamente en defensa propia ante el maltrato al que él las sometía. En el juicio se manejaron cartas y testimonios que desvelaron las aficiones sadomasoquistas de Lana, lo que acrecentó el escándalo y alimentó kilómetros de prensa amarillista.
Lana Turner inició la década de los años 60 con un nuevo matrimonio con Fred May, del que se divorciaría dos años más tarde. El asesinato de Stompanato empujó su carrera cinematográfica al declive. Sus apariciones en la cartelera se fueron haciendo menos profusas, y quizás tanto crítica como público infravaloraron su talento al limitarse a encarar el encasillamiento en melodramas típicos de la actriz. Se retiró definitivamente a finales de los 80, si bien participó en algunos capítulos de la teleserie Falcon Crest.
Además de sus siete matrimonios, mantuvo relaciones con Howard Hughes, Clark Gable, Frank Sinatra, Errol Flynn, Victor Mature, Fernando Lamas, Tyrone Power y Luis Miguel Dominguin.
Fue galardonada con el Premio Donostia del Festival de cine de San Sebastián.
Murió el 29 de junio de 1995 en California víctima de un cáncer a la edad de 74 años.
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30 años de "God Bless The USA"

viernes, 25 de enero de 2013

aytradio.blogspot.com

Este año es un año especial para Lee Greenwood. Ha marcado el 30 º aniversario de "Dios bendiga a los EE.UU." "Gos Bless The USA" , escribió la canción en 1983 en respuesta a la duda de las autoridades de Rusia que confundieron  con un avión espía y lo derribaron con  269 pasajeros a bordo. Desde entonces, se ha convertido en un himno durante la Guerra del Golfo, después de 9/11, durante la guerra de Irak y después del huracán Katrina. Greenwood dice que la canción llegó tan fácilmente, casi se escribió sola.
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Falleció Ravi Shankar

miércoles, 12 de diciembre de 2012



El maestro indio de la cítara Ravi Shankar, que ejerció una importante influencia en músicos occidentales desde los Beatles hasta los Rolling Stones, falleció a los 92 años, anunció la televisión.

Shankar, padre de la cantante y compositora norteamericana Norah Jones, murió en el hospital de San Diego (California) donde había sido trasladado para ser sometido a una intervención quirúrgica.
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27 de noviembre de 1917 nacía Merle Travis

jueves, 29 de noviembre de 2012



El 29 de noviembre de 1917 nació en Kentucky el músico y cantautor country Merle Travis, autor del tema 'Sixteen tons'. Se crió en un condado minero que inspiraría muchas de sus canciones y fue uno de los grandes innovadores del 'fingerpicking' marcando el camino a numerosos guitarristas country como Chet Atkins, Doc Watson Roy Clark.
Desde el principio se interesó en tocar la guitarra, iniciándose con una fabricada por su hermano y su estilo interpretativo se desarrolló a partir de una tradición del oeste de Kentucky, el fingerpicking, entre cuyos seguidores estaba el guitarrista de country blues Arnold ShultzShultz enseñó su estilo a varios músicos locales, incluyendo a Kennedy Jones, quienes lo transmitieron a otros guitarristas. La técnica cautivó a muchos músicos de la región, y fue inspiración para el joven Travis.
En 1944 Travis se mudó a Hollywood, donde su estilo se hizo aún más renombrado cuando empezó a trabajar en sesiones de grabación, espectáculos radiofónicos y en directo, y al interpretar pequeños papeles en varios filmes western de serie B. Grabó para pequeñas discográficas hasta 1946, año en el que firmó para Capitol Records, donde, tras habérsele solicitado la grabación de un álbum de canciones folk, Travis combinó canciones tradicionales con varias composiciones originales recordando los días de trabajo de su familia en la mina.
El resultado se estrenó con el nombre de 'Folk Songs of the Hills'. Este disco, en el que únicamente intervenía Travis acompañado de su guitarra, contiene sus dos canciones más recordadas, ambas centradas en las vidas de los mineros del carbón: 'Sixteen Tons''Dark as a Dungeon'. Éxitos como 'Cincinnati Lou', 'No Vacancy', 'Divorce Me C.O.D.', 'Sweet Temptation', 'So Round, So Firm, So Fully Packed', 'Three Times Seven' y'Merle's Boogie Woogie', todas ellas composiciones propias, le dieron fama nacional, aunque no todos mostraban el trabajo con la guitarra que le había dado fama entre sus compañeros de profesión.
Guitarra Travis/Bigsby
Su diseño para una guitarra eléctrica, fabricada para él por Paul Bigsby, se piensa que inspiró la famosaFender Telecaster deLeo Fender en 1950. Sus canciones fueron grabadas por artistas como Johnny Cash, Nitty Gritty Dirt Band, Dolly Parton, Doc Watson y Tennessee Ernie Ford, que convirtió en 1955 su 'Sixteen tons' en un hit internacional.

La serie de éxitos de Travis en los años cuarenta no continuó en los cincuenta, a pesar de sus actuaciones radiofónicas y de la estima de amigos comoJohnny Cash, Grandpa Jones y Hank Thompson. Travis siguió grabando para Capitol en la década de 1950, ampliando su repertorio con 'The Merle Travis guitar' (1956), 'Walking the Strings' (1960) y 'Songs of the coal mines' (1963). En 1953 apareció en la película 'De aquí a la eternidad' interpretando 'Reenlistment Blues'. Travis murió de un infarto a los 65 años en octubre de 1983.




fuente: efemeridesdelamusica.blogspot.com.ar
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Siempre nos quedará Casablanca a 70 años de su estreno

lunes, 26 de noviembre de 2012



A 70 años del estreno de uno de los mayores íconos del cine mundial, a los espectadores siempre nos quedará Casablanca, una película pensada como instrumento de propaganda, que se filmó de manera improvisaba y sin muchas expectativas pero que se terminó convirtiendo en un clásico de la pantalla grande y punto ineludible del séptimo arte.
Eran los años de la Segunda Guerra Mundial y del quiebre de los aliados en la guerra contra el Eje. Por eso el estreno de Casablanca se hizo para que coincidiera con la invasión de las tropas aliadas en la costa norte de África y la captura de la ciudad marroquí del mismo nombre.
El Café de Rick era el cabaret que aparece en la película y fue montado en escenarios de Hollywood, pero por el realismo del filme hizo creer a todos que realmente estaba en Marruecos.

Pero la historia de Casablanca no vaticinaba su éxito. Se basó en una obra teatral que nunca se estrenó. El guión estaba sin terminar y el presupuesto era muy bajo.
El guión estaba basado en una pequeña obra teatral titulada Everybody comes to Rick's. Warner compró sus derechos y la filmacón comenzó a finales de mayo de 1942.
El rodaje tampoco estuvo exento de problemas: fue caótico, los diálogos no estaban terminados, el guión muchas veces se completaba a la par de la filmación, muchos actores estaban enfrentados y Bogart y Bergman desconocían cómo terminaba la película horas antes de que se grabara el inolvidable final.
El director Michael Curtiz tenía a tres escritores trabajando diariamente mientras la película se iba completando.
"¿De quién estoy enamorada? ¿De Víctor Lazslo o de Rick?" preguntaba Bergman al director.
"No se sabe todavía", le contestaba el realizador. "Intenta encontrar un punto intermedio".
Ocurre que el desenlace era también desconocido para los actores.
A pesar de todo en 1944 Casablanca ganó los Oscar a mejor película, mejor director, Michael Curtiz, y mejor guión.


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Murió Robin Gibb, de los Bee Gees

domingo, 20 de mayo de 2012




Robin Gibb, de los Bee Gees, falleció a los 62 años víctima de un cáncer.
El cantante del grupo británico Bee Gees, Robin Gibb, falleció este domingo (20/5) a los 62 años tras una larga lucha contra el cáncer, informó su familia en un comunicado.
La leyenda del pop padecía cáncer de colon y el pasado abril estuvo hospitalizado en una clínica privada de Londres en estado de coma a causa de una neumonía.
Los familiares del Robin anunciaron el fallecimiento del músico "con gran tristeza" y pidieron que se "respete su intimidad en estos momentos difíciles" 
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20 de abril de 2012:El ultimo baile del gran Levon Helm

domingo, 6 de mayo de 2012


La madrugada del pasado viernes 20 de abril, fallecía el histórico batería (y cantante) de The Band, apenas un par de días después de que una noticia publicada en su página web anunciase que el músico estaba afrontando sus últimos pasos en la lucha contra el cáncer. Nacido en Elaine (Arkansas) en 1940, Levon Helm era el único sureño auténtico de un grupo tan enraizado en la América profunda como The Band, formado en realidad, por cinco canadienses.


Helm conoció a sus compañeros a comienzos de los sesenta, cuando bajo el hombre de The Hawks servían de acompañamiento a Ronnie Hawkins. Abandonaría el barco a mediados de los sesenta cuando la animadversión con la que era recibido el electrificado Bob Dylan por las hordas folk ponía en peligro su integridad física, pero volvería para, esta vez ya bajo el nombres de The Band, registrar obras maestras como Music From Big Pink (1968) o su trabajo homónimo.




Aunque Helm venció su primera batalla contra el cáncer del garganta (diagnosticado por primera vez en 1998), no parece haber conseguido ganar la complicada guerra que la enfermedad la planteó. Al menos, tuvo tiempo para entregar sus dos últimos discos, Dirt Farmer (2007) y Electric Dirt (2009), sensacionales trabajos mezcla de tradicionalismo y sensualidad instrumental, esa fórmula que convirtió en inmortales a The Band.


Un amplio número de colegas, compañeros de viajes y admiradores se han apresurado a recordar al fallecido músico a través de distintas, y sentidas, manifestaciones públicas.


Bob Dylan: “Fue mi amigo del alma hasta el final, uno de los últimos grandes espíritus de mi generación o de cualquier época. Es demasiado triste para hablar de ello. Aún recuerdo el día que lo conocí, y el último día que lo vi. Lo echaré mucho de menos, igual que tanta otra gente”.


En plena gira sudamericana, el legendario autor de Like a Rolling Stone ha sacado tiempo para publicar un breve recuerdo en su página web al amigo con el que compartió sus correrías de los setenta, junto al que giró en 1973 y registró su álbum Planet Waves. El propio Dylan fue uno de los invitados de honor del concierto final de The Band, registrado para la posteridad por Martin Scorsese bajo el nombre de El último vals.
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Entre el exceso y el éxito: La vida de Whitney Houston

lunes, 13 de febrero de 2012


La noticia de la muerte de Whitney Houston conmocionó a Estados Unidos y a los fans de la música en todo el mundo. Y si bien en los últimos diez años estuvo en los titulares más por sus problemas con el alcohol y las drogas que por su música y películas, la noticia fue un shock. Sólo pocas horas antes se especulaba acerca de un pronto regreso.
 Houston ganó seis Grammy, 30 Billboard y 22 American Music Awards en su carrera en una carrera de 25 años. Según el Libro Guinness de los Records, era la cantante femenina con más premios, al sumar más de 400 en su haber.
Lanzó siete álbumes de estudio, el último en el 2009. Sus canciones más conocidas incluyen a “I will Always Love You” y “Saving All my Love for You”, y vendió 170 millones de discos en todo el mundo.
Sus películas incluyeron a “The Bodyguard” en 1992, con Kevin Costner; “The Preacher’s Wife”, con Denzel Washington; y “Waiting to Exhale”. Acababa de terminar de filmar “Sparkle”, catalogado como un drama musical de un grupo de niñas que tienen que lidiar con la fama y las drogas, y que tiene previsto su estreno para agosto.
Empezó cantando en el coro de su iglesia en Nueva Jersey a los 11 años y lanzó su primer disco en 1985, tras ser descubierta por el productor Clive Davis. Su extraordinario registro de mezzo-soprano influyó en cantantes desde Mariah Carey a Celine Dion, Alicia Keys y Beyonce.
Era prima de Dionne Warwick. En 1992, en el punto culminante de su fama, se casó con el cantante de R&B, Bobbie Brtown con quien tuvo una hija, Bobbi Kristina, que actualmente tiene 18 años. Pero el matrimonio fue con frecuencia un escándalo, Brown era considerado una mala influencia, que golpeaba y engañaba a su esposa, y quien una y otra vez era sorprendido con drogas. Después de 15 años llegó el divorcio, pero Houston nunca logró alejarse de las drogas.
 Los últimos 10 años de la vida de Houston estuvieron dominados por el uso de las drogas y constantes rumores sobre sus recaídas y sus intentos de rehabilitación. En una entrevista en el 2002, la cantante admitió consumir marihuana, cocaína, alcohol y medicamentos.
Lanzó una gira de regreso a los escenarios en el 2009 y en abril del 2010 calificó de “ridículos” a los reportes sobre su presunta recaída en las drogas. En mayo del 2011, Houston volvió a inscribirse en un programa de rehabilitación del consumo de drogas y alcohol.
 Pese a su histora previa, la noticia de la muerte de Houston fue un shock para muchos. Frente al hotel, en el que fue hallado el cuerpo, se reunieron fans, colocaron rosas y en todas partes se podía escuchar y leer el mensaje de amor de la que fuera tal vez su canción más exitosa: “Whitney, we will always love you!”.
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Ritchie Valens, Buddy Holly y JP Richardson recordados

jueves, 2 de febrero de 2012



El cantante, compositor, guitarrista y pionero del rock and roll Ritchie Valens, quien ganó fama con los temas "La bamba" y "Oh Donna", será recordado con diversos homenajes, a 53 años de su trágica muerte.
En el auditorio Clear Lake, en Iowa, será recordada la música de Valens, así como de Buddy Holly y JP "The Big Bopper" Richardson, debido a que todos fallecieron en el mismo accidente aéreo.
A lo largo de cuatro días, en este sitio se presentarán diversos artistas que deleitarán al público que ya agotó las localidades.
En Texas, el Buddy Holly Center estará abierto en memoria de "El Día que Murió la Música", llamado así por el evento que cobró la vida a varios artistas en 1959. El acceso será gratuito y en su honor se presentarán películas, conferencias, videos y fotografías.
Richard Steven Valenzuela nació en Los Ángeles, California, el 13 de mayo de 1941 y toda su familia era de origen mexicano. Su vida fue llevada al cine con "La bamba", dirigida por Taylor Hackford y protagonizada por Lou Diamond Phillips.
Ritchie se inició muy niño en la música, afición heredada de su padre, amante del blues y el flamenco, quien lo motivó e impulsó. Se dice que su primera guitarra eléctrica fue un modelo que él mismo construyó a los 13 años, de pedazos de madera y materiales electrónicos usados para un proyecto escolar.
En mayo de 1958 fue descubierto por Bob Keane, propietario y presidente de la compañía Del-Fi Records, un pequeño sello de Hollywood, y el 27 de diciembre del mismo año hizo su debut en televisión.
Así comenzó a trascender un nuevo talento en el Valle de San Fernando, de sólo 16 años, que tocaba en el grupo The Silhouettes, y era llamado el "Little Richard" regional, en alusión al famoso músico de rock and roll de ese nombre.
Sería un sábado en la mañana que Bob Keane viera por primera vez la actuación de Richard, en un local de un cine de San Fernando. Impresionado ante el chico, decidió invitarlo a audicionar para él, a su casa de Silver Lake, en el área de Los Ángeles.
Ahí Keane tenía un pequeño estudio en el sótano de su casa, donde varias canciones fueron grabadas, básicamente Richard tocando y cantando, para luego ser regrabadas en los estudios Gold Star. Algunos de esos demos se pueden escuchar en el disco "Ritchie Valens. The lost tapes".
Posteriormente, a sugerencia de Keane, Richard cambió su nombre por el de Ritchie, y Valens en lugar de Valenzuela, para mejor efecto ante el público. Así, la primera canción fue grabada una tarde de julio de 1958, "Come on, let’s go", (acreditada a Valens/Kuhn, nombre real de Keane), y "Framed", de Jerry Leiber y Mike Stoller.
El siguiente disco fue tristemente el último de su vida: el doble sencillo con los temas "Donna" y "La bamba" (1959). Este último sería el título de la película de 1987 sobre su vida, protagonizada por Lou Diamond Phillips como Valens, y Esaí Morales como su medio hermano Bob Morales.
A comienzos de 1959, Ritchie, quien además fue pionero del luego llamado chicano rock, e influenció a músicos como Chris Montez y Carlos Santana, participó en "Winter dance party", gira de grandes estrellas del rock and roll por el Medio Oeste estadunidense.
Sin embargo, la mala organización del evento no preveía una calefacción adecuada en el autobús que llevaba a los músicos, algunos de ellos enfermaron por las bajísimas temperaturas reinantes.
Para evitar una noche más de viaje en esas condiciones, fue que Buddy Holly, otra de las estrellas del "tour", tuvo la idea de rentar un avión, luego de la actuación en el Surf Ballroom de Clear Lake, Iowa, para llegar cuanto antes a un hotel a dormir y descansar.
Aparte de Buddy Holly, había lugar para otros dos músicos más en el avión, uno de ellos fue Ritchie Valens, quien irónicamente ganó su lugar aquella noche apostando a la suerte, pero sellando así su destino.
Era un avión Beechcraft Bonanza de cuatro pasajeros, que partió aquel 2 de febrero de 1959 piloteado por un joven sin experiencia, según se dijo, a medianoche, en medio de una gran tormenta de nieve, en la que habría equivocado la lectura de los instrumentos, única manera de volar a visibilidad nula.
Fue así que en lugar de subir, el aeroplano en realidad bajó, y se estrelló a las pocas millas del despegue, en un campo cercano al aeropuerto.
Murieron todos sus tripulantes. Aparte de Ritchie, de 17 años; Buddy Holly, de 22; J.P. "The Big Bopper" Richardson, de 28, y el piloto Roger Peterson.
Tiempo después el accidente fue llamado "El Día que Murió la Música", según "American Pie", la balada de Don McLean.
Ritchie Valens fue enterrado en el San Fernando Mission Cemetery de Mission Hills, California. Fue objeto de una estrella en el Paseo de la Fama de Hollywood (1990), además de que en 2001 fue proclamado en el Rock and Roll Hall of Fame.
En 1988, Ken Paquette, un fan de Wisconsin de la música de los 50, erigió un monumento en el campo donde se estrelló el avión, en acero, que representa una guitarra de metal, y tres discos con los nombres de cada uno de los artistas que murieron en el accidente.
También se hizo otro monumento equivalente en Riverside Ballroom in Green Bay, Wisconsin. Este fue inaugurado el 17 de julio de 2003. En 2001 ingresó al Salón de la Fama del Rock and Roll Hall, luego de conseguir el éxito con los temas "Donna" y "La bamba", a pesar de su corta carrera musical de ocho meses.
En febrero de 2009, a 50 años del accidente, fue recordado con un concierto en su honor en Iowa. El Auditorio Claire Lake fue el marco para el tributo a Valens, además se realizaron conferencias, en medio de recuerdos como fotografías, lentes y mapas del lugar en donde se registró el accidente en el que también perecieron Big Booper y Buddy Holly.
Para su aniversario luctuoso número 51, se le rindió un tributo el 13 de febrero de 2010 en The Center for Performing Arts at Governors State University del estado de Illinois. El nombre del "show" hizo alusión al Festival "Winter dance party", en donde el intérprete del rock participó antes de perder la vida.
En mayo del 2011, NWLA (New Weird Latin American) lanzó un álbum tributo con los éxitos del cantautor de origen mexicano, interpretados por los artistas Robota, Joe Volume, Piyama Party y Childs, entre otros. Además puso en línea la descarga de "Little Richard of the Valley: Un tributo", en el que se escuchan las nuevas versiones de "La bamba", "Oh Donna" y "Come on let’s go!".


fuente: Milenio.com
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“El Rey del rock & roll” Elvis Presley cumpliría hoy 77 años

domingo, 8 de enero de 2012



 Elvis Aaron Presley  bautizado “Rey del rock and roll” hoy estuviera celebrando 77 años de vida,si no fuera por una sobredosis de medicamentos que culminó en un ataque cardíaco súbito y violento que le arrebató la vida a los 42 años, Elvis nació en Tupelo, Mississippi, en 1935, pero a los 13 años se mudó a Memphis, Tennessee, junto a su familia. En esa  localidad  en 1954 comenzó su carrera artística cuando el dueño de Sun Records, Sam Phillips, vio en él la manera de expandir la música afroamericana.
El 10 de enero de 1956, Presley hizo sus primeras grabaciones para RCA en Nashville. Con la finalidad de extender el grupo de los músicos de apoyo de Presley (Moore, Black y Fontana), RCA contrató al pianista Floyd Cramer, al guitarrista Chet Atkins y a tres cantantes de fondo, incluyendo a Gordon Stoker del cuarteto Jordanaires, para llenar el sonido. Esta sesión produjo la cambiante e inusual “Heartbreak Hotel”, lanzada como sencillo el 27 de enero.
Hasta el momento de su muerte el artista había participado en 36 filmes de documentales y largometrajes tales como: “Loving You” (1957), “Blue Hawaii” (1961) y “Girl!, Girl!, Girl!” (1962) este último  aumentó el  estatus de símbolo sexual que ya tenía. 
Sus éxitos.  Sus temas enloquecieron a la juventud del momento. Algunas de sus canciones más famosas son: “Heartbreak Hotel”, “Don't Be Cruel”, “Hound Dog”, “Love Me Tender”, “Too Much”, “All Shook Up”, “(Let Me Be Your) Teddy Bear” y “Jailhouse Rock”.
“Graceland” su casa en Memphis   actualmente es un museo que recibe miles de visitas anuales.
Por esto y mucho mas, que es lo que Elvis Presley representa para una gran parte de la población mundial es que AyT Radio preparó una emisión de 24 hs continuas con su música para celebrar el natalicio del Rey del Rock & Roll. te esperamos  este 8 de enero en www.aytradio.com.ar 
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George Harrison nos dejaba hace 10 años

miércoles, 30 de noviembre de 2011


George Harrison murió el 29 de noviembre de 2001, en Los Ángeles, víctima de un cáncer, pero su influencia se mantiene viva diez años después. Las redes sociales recordaron durante todo la jornada la fecha de la desaparición física del músico.
El ex guitarrista de Los Beatles tenía 58 años y su fallecimiento llegaría 21 años después de la de John Lennon. Paul McCartney y Ringo Starr quedarían como representantes vivos de una de las bandas más influyentes de todos los tiempos.
Harrison tenía el mismo interés por el mundo hindú que por la fórmula 1, algo que se retrata en el reciente documental de Martin Scorsese "George Harrison. Living in the material World" .
Nació el 25 de febrero de 1943 en Liverpool, Inglaterra. Su primera guitarra se la compró a un compañero de clase en 1956. Creció como un chico tímido que presumía de una hermosa melena.





Pese a su bajo perfil, tenía un carácter fuerte y sus propias ideas musicales. Cuando el grupo se separó, su carrera en solitario aparecía como una de las más prometedoras.
Pero la suerte no le acompañó, y no logró superar con su música lo hecho con los Beatles. No pudo despegarse de la fama alcanzada con el cuarteto y su obra previa prevalecía sobre sus creaciones como solista.
Autor de temas como Here comes the sun While my guitar gently weeps , Harrison fue compositor de hermosas melodías, pero vio su talento aplacado por el de dos genios radicales: McCartney y Lennon.
No era fácil sacar la cabeza entre dos figuras cuya sombra resultaba aplastante. Luego, una vez separados, el resentimiento hacia el grupo creció.
De todos los Beatles, Harrison fue el que más dificultades puso no sólo para una hipotética reunión, sino también a la hora de aportar material para ediciones del grupo.
El "tercer beatle" se fue hace diez años, pero dejó una huella que sigue nítida y suena fuerte.
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Se cumplen 34 años de la muerte de Elvis Presley

martes, 16 de agosto de 2011



A 34 de su muerte, el cantante estadunidense Elvis Presley, reconocido como “El Rey del Rock”, quien se ganó el sobrenombre gracias a éxitos como Heartbreak hotel, Don’t be cruel y Hound dog, se mantiene vigente en los espectáculos mediante un legado que sigue siendo objeto de constantes homenajes e inspiración para otros artista.
En la fecha de conmemoración de un año más de su deceso, el sábado pasado se realizó por décimo año consecutivo, un tributo al intérprete en el municipio brasileño de Ribeirão Preto, en el marco del evento titulado “Una noche en Hawai”, el cual reunió a imitadores del artista.
Ante ello, se enfatizo que Elvis sigue siendo inspiración de espectáculos basados en su legado, tal como sucede con “El Rey del Rock (The King Story)”, donde se pueden escuchar 22 canciones del intérprete en voz de su amigo Greg Miller.
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